Se dice que la segunda parte del siglo XX fue la era de la literatura en español; creo que las letras en nuestro idioma han sido una enorme referencia a lo largo de esta época y hemos podido ver, y disfrutar, una larga serie de autores provenientes de los más diversos países que conforman este universo iberoamericano.

Fue en este contexto que la academia Sueca anunció en 1982 que el premio Nobel de Literatura sería otorgado al colombiano Gabriel García Márquez “por sus novelas e historias cortas en donde lo fantástico y lo realista son combinados en un mundo de la imaginación ricamente compuesto que refleja la vida y los conflictos de un continente”.

Creo que García Márquez reflejó el sentir de toda una generación de latinoamericanos. Para el año en que recibió el premio, el escritor había publicado (entre otros) Cien años de soledad, El otoño del patriarca y Crónica de una muerte anunciada.

Aunque los premios Nobel pueden cuestionarse de alguna manera, siempre buscan dejar sentada una “cuestión política”, el hecho de recibirlo no demeritó al colombiano, al contrario, lo transformó en una especie de culto.

Yo siempre me he referido a la escritura de García Márquez como “dulce”, la historia a través de su pluma fluye de una manera sencilla, agradable, “sabrosa”. Aunque algunas de sus obras parecen enredadas (en Cien años… creo que son unos cinco personajes que comparten el mismo nombre) basta concentrarse un poco para comenzar a vivir es Realismo Mágico del que el autor es, quizá, el máximo representante.

Yo descubrí a García Márquez en los estantes de mi casa con Cien años de soledad (tengo la fortuna de ser hijo de un lector empedernido), para mi no solo significó el descubrimiento del Realismo Mágico si no la salida a lectura más trascendente (hasta esos entonces me había atascado de Morris West, Irwing Wallace entre otros muchos vendedores de Best-Sellers) y la apertura a una literatura mucho más nuestra.

Si ustedes nunca han leído nada de García Márquez, la recomendación es que no brinquen directo a sus obras más trascendentales como Cien años… o El amor en tiempos del cólera y que se den el lujo de arrancar con Crónica de una muerte anunciada o cualquiera de las historias cortas; les prometo que las van a disfrutar.

Umberto Eco se trasformó en un personaje literario de la literatura a lo largo de los ochentas; su obra, El Nombre de la Rosa fue llevada a la pantalla (con mediocres resultados) y sus libros (aunque no todos podían acabar de leerlos) fueron traducidos a muchos idiomas.

-Van a tener que leer El Nombre de la Rosa-

Dijo un profesor de la universidad; era apenas el primer semestre y la mayoría estaba aún en ese estupor de recién salidos de la prepa. (Yo, como renegado de otra carrera ya sabía a que le tiraba). La mayoría protestó: era un libro muy “grueso” y difícil de leer, decían.

“¿Que no somos universitarios?” pensé de manera despectiva reflexionando que si a los estudiantes de la carrera de Ciencias de la Comunicación les daba flojera leer, estaba cometiendo un error al estar suscrito a esa universidad.

La verdad es que me hicieron un favor.

Umberto Eco es un especialista en semiótica y en el Medievo que un buen día se decidió a escribir una novela basada en lo que más le gustaba. Le dedicó tanto tiempo y tanto conocimiento que le salió una obra que, hasta la fecha, muchos suponen que es “iniciática” (Una especie de novela en clave, algo así como las sandeces que maneja El Código DaVinci).

Umberto Eco

El resultado fue genial, una novela de misterio encuadrada en un monasterio medieval justo en el momento en que la iglesia Católica está sumida en una discusión sobre la pobreza y la riqueza de los “representantes” de Dios en la Tierra.

El libro también es un muy realista asomo a la vida monacal de ese entonces: por un lado el funcionamiento de la abadía como un emporio donde cada elemento tiene su función clara y establecida, mientras que por el otro nos aclara un poco su función como pequeña isla donde el conocimiento de occidente se pudo resguardar en una época de oscuridad e intolerancia.

Eco, en boca de Guillermo de Baskerville, hace un recuento y un análisis de la época que es soberbio, mientras que realiza la investigación dentro de una mítica biblioteca que nos recuerda a Borges, Arthur Conan Dyle y al Minotauro. Las discusiones con Adso, las disertaciones de Jorge de Burgos y la polaca de los representantes del Papa hacen de la obra una genial referencia a una época que, en muchos sentidos, nos pasa olvidada.

Por supuesto que se apresuraron a hacer una película al respecto y les salió tan, pero tan light (a pesar de la presencia de Sean Connery en el reparto), que es como si quisieramos resumir la década de los ochentas diciendo: “se pusieron su ropa fosforescente y se fueron a tumbar el muro de Berlín”.

El corto de la película

Por ejemplo, la idea del laberinto en la película es bastante chafa; mientras en el libro, éste es un personaje que maneja una lógica bastante, en la cinta tan solo se meten con velitas a una especie de casa de los sustos disneylandesca.

Y por supuesto que no pudieron evitar el happy-ending: mientras en el libro “La Rosa” (la muchacha que represento el primer y único encuentro sexual de Adso) es llevada para ser quemada en una ciudad (no recuerdo cual) para enseñanza de los villanos, en la película ésta escapa y se transforma en una especie de última tentación para el joven monje.

Fueron muchos los que buscaron claves secretas y asuntos extra liibris, al grado que Umberto Eco se agarró de eso para hacer una segunda novela en la que, esta vez, si metió todo lo esotérico, oculto y conspiranóico a su alcance: El Péndulo de Foucault.

(En esa misma universidad alguien me preguntó luego de que dije que ya había leído el libro: “¿Lo entendiste?” y pusieron cara de “no te creo” cuando dije que si)

Este segundo libro, publicado en 1989, es verdaderamente oscuro: hartas sociedades secretas, hartas conspiraciones al grado que uno acaba dudando que tan cierto, o falso, es el núcleo de la historia: Eco logra algo que muchos escritores quisieran, pone a dudar al lector sobre la sanidad mental y la sinceridad del narrador de la obra.

Si tienen tiempo, y paciencia para releer capítulos completos, y les gustan las novelas con claves esotéricas (no mafufadas como el infumable Código DaVinci) la recomendación es leer este libro.

Para leer a Umberto Eco hay que entender que el señor es especialista en el estudio de los símbolos (Semiótica) por lo que le gusta clavarse en la descripción de un altar o una fachada; cual es el símbolo, cual es el mensaje que quiso dar un cantero medieval a través de una serie de intrincados diseños; por la otra parte está muy metido en el Medievo por lo que le encanta describir la situación política de la época: quien era quien, el por qué y los cómos de reyes, príncipes, papas y otros gobernantes.

Tal vez no sea lo mejor para iniciar el hábito de la lectura, pero es bastante entretenido una vez que se le agarra el gusto.

Fue la primera vez que se aplicaron las más avanzadas técnicas de efectos especiales a un documental, a una obra de divulgación científica. Cosmos, de Carl Sagan, es un testamento del ingenio y la creatividad del hombre, es un testimonio de la magnitud de la naturaleza y de cómo esta puede abrirse a nuestra comprensión; también es una advertencia sobre los peligros de la esencia humana.

Uno de los grandes problemas de la ciencia es que la gente de la calle la ve como una especie de conocimiento hermético y cerrado accesible para unos cuantos iniciados.Tal vez ese sea el gran mérito de Sagan: logró traducir una parte escencial del conocimiento humano y logró difundirlo a una audiencia alejada y desconocedora.

Un ejemplo de la capacidad comunicadora de Sagan: aquí explica como Eratóstenes descubrió el tamaño de la tierra.

Cosmos fue transmitida por primera vez en 1980 por la cadena PBS (la televisión pública y cultural de Estados Unidos) utilizó efectos especiales de punta para la época (cosa que nunca se había hecho con una producción de su tipo) y se transformó en el programa de mayor audiencia (hasta 1990) de la televisión pública estadounidense de todos los tiempos.

A lo largo de 13 capítulos Sagan nos explica básicamente tres conceptos: realiza una revisión a la historia del conocimiento humano. Desde sus albores en la antigua Grecia y de su desarrollo a lo largo de milenios; aterriza a los “grandes cerebros” y nos los presenta como seres humanos curiosos no muy distintos a la gente de la calle.

La notación científica y la explicación de la palabra Googol, (que los creadores cierto buscador pensaban que se escribía Google)

En otra vertiente la serie se encarga de ponernos al día sobre los avances científicos, muy enfocados a la cosmología (Carl Sagan era astrónomo) pero sin olvidar los temas importantes como la evolución y el funcionamiento de la mente y el cuerpo humano.

El tercer mensaje es el más desgarrador (no hay que olvidar que Sagan escribió el guión en plena guerra fría), la advertencia sobre la estupidez de un holocausto nuclear.

Otra explicación magistral (aunque está en inglés), de la cuarta dimensión

Cosmos es un relato inspirador. Muchos científicos actuales han asegurado que una de las cosas que los impulsó a seguir su carrera fue el simple hecho de haber visto la serie durante su infancia.
Aunque yo no soy científico, gracias a Cosmos desarrollé un gusto y una curiosidad sobre el avance de la ciencia que ha enriquecido mi vida. Leí el libro (basado enteramente en la serie) y gracias éste me transformé en un consumidor de literatura de divulgación científica.

La introducción al programa, una clara muestra de la técnica y la música utilizada para darle mayor fuerza

Gracias a Cosmos también pude también desarrollar un pensamiento más crítico en el cual he basado mucho de mi filosofía de vida.

Sagan explica por que la astrología es una estupidez

La serie fue un gran éxito personal para Carl Sagan y su cruzada por dar a conocer la ciencia. Se calcula que la serie ha sido vista por unos 600 millones de personas en más de 60 paises. Ganó un Emmy así como otros premios especializados y tuvo que ser reeditada para el segundo estreno en 1986.

En México fue transmitida por canal 9 (cuando era cultural –necesitamos hacer una entrada al respecto-); otra de las cosas que Cosmos puso en la mente del público de todo el mundo fue la música del compositor griego Vangelis.

Cosmos también fue el pináculo de la carrera de Sagan como divulgador. El científico ya había escrito varios libros sobre el tema científico, pero gracias a la serie adquirió una fama que lo llevó a escribir aún más y hasta se animó a readctar una novela, Contacto, en la que se basó la película de 1997.

A pesar de lo que muchos charlatanes afirman, Carl Sagan siempre fue contrario a las teorías estrambóticas de visitantes del espacio (mal llamados OVNI) y otras seudo-ciencias; el científico siempre aseveró que la vida en otros planetas sería detectada a través de radiotelescopios y no con la llegada de “platos voladores”.

Sagan murió de cáncer en 1996 luego de una vida dedicada a promover el placer del conocimiento. Hasta la fecha su legado es recordado por muchos científicos. Su libro Miles de Millones (el último), es una reflexión sobre la humanidad a finales del milenio que podría considerarse como su testamento.

La recomendación es que, si no han visto la serie y la pueden conseguir, véanla. Sagan la llamó “Un Viaje Personal”; creo que debería de ser un viaje universal.

Da gusto ver que dos de ellas, Stand by Me y Misery se encuentran en los lugares 2 y 3. Las restantes, Carrie y The Shinnig, son setenteras, mientras que The Shawshank Redemption es de 1994.

Gary Jennings publicó su obra más famosa, Azteca, en Estados Unidos en 1980. La novela escaló de inmediato la lista de Best-Sellers por lo que no tardamos en encontrar una traducción al español poco tiempo después.

De la novela puedo decir que es un caso investigativo excepcional; Jennings hizo su tarea leyendo y estudiando todo lo relativo a la conquista y a los grupos humanos que vivían en lo que ahora conocemos como México (vivió 12 años en nuestro país).

Gary Jennings

Aunque la visión del narrador, Tlilectic Mixtli (Nube Negra), un hombre normal que gracias a su inteligencia y suerte llega a ser uno de los cercanos de Moctezuma (segundo), es un poco anacrónica en el sentido que cuestiona muchas de las costumbres de sus compatriotas – una amigo la resumió como “un neoyorquino en Tenochtitlan” – sin embargo el relato es exageradamente realista y puede llegar a ser perturbador.

Me explico; Jennings se obsesiona (y no solo en Azteca) con dos temas: el sexo y la crueldad.

Cuando el libro llegó a mis manos, por ahí de 1982, yo acababa de cumplir los 15 años y fue todo un revuelo cuando mis padres me vieron leyéndolo (no tenía la costumbre de preguntar que podía leer). Puedo decir, en retrospectiva, que tenían razón.

No se si Jennings era una especie de maniático sexual o, al contrario, un nerd que se imaginó más de lo que hizo, el caso es que cuando uno recorre las páginas del libro se encuentra con una serie de escenas sexuales cada vez más elaboradas y enloquecidas.

El autor tiene la delicadeza de describir cada forma, cada fluido, cada posición y sensación con una exactitud que raya en la literatura pornográfica; de la misma forma inventa y recrea cosas que nos hace dudar de su salud mental: purépechas obsesionados por el sexo y altamente pedófilos, emperadores con atribuciones raras o especiales, sexo kilométrico de cuatro o cinco días continuos gracias al peyote; la vuelta sexual de Mixtli por el Único Mundo parece más bien un Wild On! Anahuac donde se explora la sexualidad al máximo (como muestra puedo decir que el tal Mixtli hasta con la Malinche tuvo “queveres“).

La otra faceta, la de la crueldad, no se queda atrás: la descripción de los sacrificios humanos llega también a niveles sorprendentes: extracción de corazones, niños, jóvenes y adultos muertos de una forma u otra en favor de los dioses hasta llegar al colmo del gore cuando se despelleja a la victima durante un sacrifico a la diosa de la fertilidad. Las escenas de sangre no solo se enfocan en los sacrificios si no que también son parte de la vida diaria; un ejemplo es una escena donde un soldado obliga a unos asaltantes a comerse (cruda) la cabeza de un conpinche que es vomitiva.

Por supuesto que en ese entonces las críticas a la obra de Jennings no tardaron (lo que se dijo sobre Apocalypto de Mel Gibson me lo recordó un poco); como era posible, decían, que un “gringo” pusiera a los místicos aztecas en el papel de salvajes adictos al sexo y a la sangre.

Por supuesto que se les olvidaba que los Mexicas también eran seres humanos.

La obra de Jennings se vendió como producto de Apple, parecía una condición para iniciar cualquier conversación y mientras unos lo alababan (¿cómo es posible que los “gringos” sepan más que nosotros?) otros lo denostaban (¿cómo es posible que los “gringos” hablen tan mal de nosotros?). los rumores sobre una película empezaron a circular.

Sin embargo, como todo en esta sociedad de consumo, pronto pasamos a otras cosas.

Existió una segunda parte, llamada “Otoño Azteca” mucho más light en cuanto a extensión pero igual o peor de atascada en lo demás. De la misma forma Gary Jennings escribió otros libros de novela histórica (bastante buenos) basados en la vida de Marco Polo (Wild On! Mongolia), la historia de un circo (Wild On! Europa) y la vida de un bárbaro ostrogodo hermafrodita (¡imagínense las posibilidades sexuales que explota Jennings en este libro!) durante el ocaso del imperio romano.

La verdad es que vale la pena leerlas.

La semana pasada hablé de cuatro películas malas basadas en novelas de Stephen King; sería muy malo decir que todo lo que se ha adaptado a la pantalla grande del autor de Maine ha sido malo por lo que esta vez me referiré a dos buenas películas y a una tercera en particular que me gustó mucho.

Por ahí malbicho habló sobre The Shinning (El resplandor) estelarizada por el magnífico Jack Nicholson sin embargo tenía razón la película no es ochentera por lo que, para dolor de mi corazón, vamos a tener que dejar fuera la magnífica obra de Kubrik.

It (Eso)

Esta fue una película para la televisión, la historia es de un grupo de niños “que nadie quiere” que gracias a sus enemigos (naturales y sobrenaturales) se ven forzados a unirse, crear una amistad y luchar para defenderse.

El terror que maneja King a lo largo de la novela es un terror sicológico; lo que siente un niño que tiene que vivir con miedo a que los maltraten los otros de la escuela y de como este temor pronto se ve superado por culpa de un “ente” que es definitivamente un temor capaz de superar los demás. La película retrata muy bien ese miedo de los niños.

Otro elemento es el payaso; muchos niños le temen a los payasos, creo que Stphen King también, es difícil encontrar un objeto que sea más discordante que una criatura diabólica que se encarna en un payaso. Mucho del manejo de King, que se ve reflejado en la cinta, es el ataque inmisericorde sobre los niños, uno de los integrantes más vulnerables de cualquier sociedad.

Misery (Miseria)

¿Qué ocurre cuando un famoso cae en las garras de su fan más sicópata? Esta es la línea de la novela Misery; un famoso y exitoso escritor se dirige a entregar su última novela cuando por culpa de un accidente en un sitio despoblado de las montañas cae en manos de una fanática.

Al principio todo parece ir bien, ella es enfermera y le presta los primeros auxilios pero con el tiempo descubrimos que además de estar loca no está de acuerdo con la última novela del escritor por lo que lo obliga, a costa de una serie de torturas que rayan en la locura, a escribir una nueva versión.

En la película el gran mérito es la actuación de Kathy Bates (quien se llevó el Oscar) y que representó el papel de la enfermera sicópata.

Hasta la fecha me es imposible ver esta escena sin cerrar los ojos

Stand by Me (Cuenta conmigo)

Muy pocos saben que esta película está basada en un relato corto de Stephen King llamado The Body.

Una vez más miedos infantiles y el apremiante deseo de sentir que se pertenece a algo. Ubicada en los años sesentas cuatro niños atacados por una facinación morbosa salen a buscar el cuerpo de otro niño que murió arroyado por el tren.

En el camino los terrores, verdaderos e imaginados de cada uno, son puestos en al descubierto y en cierta manera sufren un proceso de maduración; más que una narración de terror es una película sobre la amistad y sobre el mundo que hay más allá de una niñez que podría parecer horrible. Es el proceso de crecimiento de cuatro niños que parecen atrapados por circunstancias familiares, sociales y geográficas.

La canción de Ben E. King fue la que dio nombre a la película y a la vez se transformó en su tema principal y el principal punto de referencia. Por cierto, un muy joven Kiefer Sutherland aparece como uno de los malos.

Me confieso fanático de Stephen King; soy un lector compulsivo y trato de leer de todo, me gusta la novela hispanoamericana en particular sin embargo tengo ese gran vicio: encuentro irresistible la narrativa del autor estadounidense y aunque su producción es enorme, creo que ya tengo cubierto algo así como el 75% de su obra.

Dicen que los lectores asiduos somos los peores críticos a la hora de llevar una historia a la pantalla y en mi caso es muy cierto; evito al máximo las versiones cinematográficas de los libros y solo veo las que verdaderamente valen la pena sin embargo en las épocas ochenteras me tuve que soplar varias películas y entre ellas muchas basadas en las historias de Stephen King.

King publicó durante los ochentas algo así como 25 obras, entre relatos cortos y novelas, de los cuales llegaron a la pantalla grande unas ocho (si la memoria no me falla) y he de ser sincero, muchas de ellas apestaron.

He aquí una breve reseña de los que considero las peores películas de los ochentas basadas en libros de Stephen King:

Pet Sematary (Cementerio de Mascotas)

La historia es sobre un cementerio indio, oculto atrás de un cementerio para mascotas, que tiene la diabólica cualidad de resucitar a quién se entierra en éste. La historia de King se basa en el terror sicológico de un padre ante la pérdida de su hijo, pero la versión cinematográfica se concentra en los “horrores” que causan los “revividos” que no regresan con una actitud muy amistosa que digamos.

El que sale de cura en el trailer es el mismísimo Stephen King

Christine

El libro es una especie de oda a los autos y al Rock’n'Roll, de la amistad de dos jóvenes normales, de su ingreso al mundo adulto y de como el espíritu que vive en un Plymouth Fury empieza a poseer el alma del protagonista; la película se concentra más bien en las andanzas del auto asesino. Es una especie de Viernes 13 en el que el asesino en vez de usar cuchillos y hachas utiliza llantas y defensas.

Hay que decir que las escenas del auto reparándose solo son bastante buenas

The Running Man (El Fugitivo)

Pocas películas he visto que alteraran la novela al grado de dejarla irreconocible como este caso en particular. Mientras que en la película el protagonista (interpretado por Arnold Schwarzenegger) es una especie de superhombre que lucha en contra de una serie de retos hi-tech por haber cometido un crimen, en el libro es tan solo un pobre diablo común y corriente que lo único que necesita es dinero para llevar a su mujer al doctor. Sin las hazañas de Schwarzenegger el libro es más bien una verdadera cacería de cucarachas en donde el protagonista se enfrenta ante una sociedad y apenas se salva para terminar todo suicidándose utilizando, de manera muy premonitoria, un avión para destruir un gran rascacielos.

El personaje del libro huye por las alcantarillas y no usa pijamas hi-tech amarillas

Cujo

Este libro es desesperante y a la vez terrible; la metáfora de King es la de un monstruo imaginario que aterrorizaba a un niño (se le aparecía por las noches en la cómoda de su cuarto) y que más tarde se “encarna” en un enorme perro San Bernardo que se contagia de rabia. La película no es más que otra historia de un enorme animal sanguinario y fuera de control.

Y si, en el libro al final muere el niño.

Proximamente escribiré algo sobre las películas buenas, que si las hubo.