Soda Stereo llegó a México empaquetado con lo que ya hemos llamado en este espacio la invasión española. La apertura de nuestro país no solo nos trajo lo que se estaba escuchando en España si no que también abrió las puertas a agrupaciones de otros países (latinoamericanos) y quizá la de mayor calidad y fuerza fueron los argentinos.

El grupo cubre netamente la clasificación de ochentero; se formó a principios de la década por Gustavo Cerati, Héctor “Zeta” Bosio y Carlos Alberto Ficicchia, mejor conocido como Charly Alberti. Su música era poderosa y rítmica; manejaban una serie de temas a veces atrevidos con letras muy cuidadas.

Fue en agosto del 87 la primera presentación de Soda Stereo en México (por cierto, fue en el Magic Circus) sin embargo ya lo habíamos escuchado antes en Espacio 59 o en RockOlé, los principales medios de difusión que encontraron los grupos hispanoparlantes (y luego los mexicanos) en las principales estaciones promotoras de esta música.

Personalmente la primera canción que recuerdo de Soda Stereo es Persiana Americana.

Cuando Soda Stereo llegó a nuestro país aquel verano del 87 ya tenían una impresionante trayectoria; habían grabado tres álbumes: Soda Stereo, Nada Personal y Signos entre los que destacaban canciones como Nada personal, Signos y Cuando pase el temblor.

Del video podemos sacar muchas cosas: primero que nada el look de los del grupo: absolutamente ochentero y que en cierta manera (así se me hace) parecido a los de The Cure; hay que decir que en ese entonces los videos de grupos latinos eran prácticamente inexistentes y que éste este se realizó por ahí de 1985. Éste fue el primero de un grupo argentino emitido por MTV, que había iniciado sus transmisiones apenas cuatro años antes.

No se si esté equivocado, pero creo que la “T” que se ve abajo a la izquierda es la marca de Telehits, canal mexicano que tenía la intención de hacerle competencia a MTV en el mercado hispanoamericano (si estoy equivocado háganmelo saber).

El paso de Soda Stereo por México fue parte de su segunda gira latinoamericana y que generó el disco Ruido Blanco. El trío argentino regresaría a México en el 89, como parte de otra gira continental. Para entonces ya habían grabado Doble Vida que incluía En la Ciudad de la Furia:

El grupo ya presentaba una evidente madurez musical; el álbum fue grabado en Nueva York y era el preludio de lo que vendría. Al años siguiente Canción animal se iba a transformar, a decir de los expertos, en el mejor disco de la banda.

Soda Stero se desintegró en 1997 por problemas entre los integrantes así como una serie de discordancias de tipo artístico; en la década de los noventas todavía se dieron el lujo de grabar otros dos discos, Dynamo y Sueño Stereo además de más giras y discos en concierto.

El año pasado Soda Stereo realizó una gira de “reunión” llamada Me volverás a ver que tocó trece ciudades del continente con cuatro conciertos en México y que más tarde generó el álbum Gira Me Verás Volver.

Diez años después de su desintegración nos pudimos dar el lujo de cantar las muy ochenteras rolas de Soda Stereo.

La semana pasada hablé de cuatro películas malas basadas en novelas de Stephen King; sería muy malo decir que todo lo que se ha adaptado a la pantalla grande del autor de Maine ha sido malo por lo que esta vez me referiré a dos buenas películas y a una tercera en particular que me gustó mucho.

Por ahí malbicho habló sobre The Shinning (El resplandor) estelarizada por el magnífico Jack Nicholson sin embargo tenía razón la película no es ochentera por lo que, para dolor de mi corazón, vamos a tener que dejar fuera la magnífica obra de Kubrik.

It (Eso)

Esta fue una película para la televisión, la historia es de un grupo de niños “que nadie quiere” que gracias a sus enemigos (naturales y sobrenaturales) se ven forzados a unirse, crear una amistad y luchar para defenderse.

El terror que maneja King a lo largo de la novela es un terror sicológico; lo que siente un niño que tiene que vivir con miedo a que los maltraten los otros de la escuela y de como este temor pronto se ve superado por culpa de un “ente” que es definitivamente un temor capaz de superar los demás. La película retrata muy bien ese miedo de los niños.

Otro elemento es el payaso; muchos niños le temen a los payasos, creo que Stphen King también, es difícil encontrar un objeto que sea más discordante que una criatura diabólica que se encarna en un payaso. Mucho del manejo de King, que se ve reflejado en la cinta, es el ataque inmisericorde sobre los niños, uno de los integrantes más vulnerables de cualquier sociedad.

Misery (Miseria)

¿Qué ocurre cuando un famoso cae en las garras de su fan más sicópata? Esta es la línea de la novela Misery; un famoso y exitoso escritor se dirige a entregar su última novela cuando por culpa de un accidente en un sitio despoblado de las montañas cae en manos de una fanática.

Al principio todo parece ir bien, ella es enfermera y le presta los primeros auxilios pero con el tiempo descubrimos que además de estar loca no está de acuerdo con la última novela del escritor por lo que lo obliga, a costa de una serie de torturas que rayan en la locura, a escribir una nueva versión.

En la película el gran mérito es la actuación de Kathy Bates (quien se llevó el Oscar) y que representó el papel de la enfermera sicópata.

Hasta la fecha me es imposible ver esta escena sin cerrar los ojos

Stand by Me (Cuenta conmigo)

Muy pocos saben que esta película está basada en un relato corto de Stephen King llamado The Body.

Una vez más miedos infantiles y el apremiante deseo de sentir que se pertenece a algo. Ubicada en los años sesentas cuatro niños atacados por una facinación morbosa salen a buscar el cuerpo de otro niño que murió arroyado por el tren.

En el camino los terrores, verdaderos e imaginados de cada uno, son puestos en al descubierto y en cierta manera sufren un proceso de maduración; más que una narración de terror es una película sobre la amistad y sobre el mundo que hay más allá de una niñez que podría parecer horrible. Es el proceso de crecimiento de cuatro niños que parecen atrapados por circunstancias familiares, sociales y geográficas.

La canción de Ben E. King fue la que dio nombre a la película y a la vez se transformó en su tema principal y el principal punto de referencia. Por cierto, un muy joven Kiefer Sutherland aparece como uno de los malos.

He aquí la transformación de Michael Jackson desde un agradable niño, pasando por un joven exitoso hasta llegar a “la cosa rara” que podemos medio ver a veces.

(¿han notado que al final hasta se parece a María Felix?)

Me confieso fanático de Stephen King; soy un lector compulsivo y trato de leer de todo, me gusta la novela hispanoamericana en particular sin embargo tengo ese gran vicio: encuentro irresistible la narrativa del autor estadounidense y aunque su producción es enorme, creo que ya tengo cubierto algo así como el 75% de su obra.

Dicen que los lectores asiduos somos los peores críticos a la hora de llevar una historia a la pantalla y en mi caso es muy cierto; evito al máximo las versiones cinematográficas de los libros y solo veo las que verdaderamente valen la pena sin embargo en las épocas ochenteras me tuve que soplar varias películas y entre ellas muchas basadas en las historias de Stephen King.

King publicó durante los ochentas algo así como 25 obras, entre relatos cortos y novelas, de los cuales llegaron a la pantalla grande unas ocho (si la memoria no me falla) y he de ser sincero, muchas de ellas apestaron.

He aquí una breve reseña de los que considero las peores películas de los ochentas basadas en libros de Stephen King:

Pet Sematary (Cementerio de Mascotas)

La historia es sobre un cementerio indio, oculto atrás de un cementerio para mascotas, que tiene la diabólica cualidad de resucitar a quién se entierra en éste. La historia de King se basa en el terror sicológico de un padre ante la pérdida de su hijo, pero la versión cinematográfica se concentra en los “horrores” que causan los “revividos” que no regresan con una actitud muy amistosa que digamos.

El que sale de cura en el trailer es el mismísimo Stephen King

Christine

El libro es una especie de oda a los autos y al Rock’n'Roll, de la amistad de dos jóvenes normales, de su ingreso al mundo adulto y de como el espíritu que vive en un Plymouth Fury empieza a poseer el alma del protagonista; la película se concentra más bien en las andanzas del auto asesino. Es una especie de Viernes 13 en el que el asesino en vez de usar cuchillos y hachas utiliza llantas y defensas.

Hay que decir que las escenas del auto reparándose solo son bastante buenas

The Running Man (El Fugitivo)

Pocas películas he visto que alteraran la novela al grado de dejarla irreconocible como este caso en particular. Mientras que en la película el protagonista (interpretado por Arnold Schwarzenegger) es una especie de superhombre que lucha en contra de una serie de retos hi-tech por haber cometido un crimen, en el libro es tan solo un pobre diablo común y corriente que lo único que necesita es dinero para llevar a su mujer al doctor. Sin las hazañas de Schwarzenegger el libro es más bien una verdadera cacería de cucarachas en donde el protagonista se enfrenta ante una sociedad y apenas se salva para terminar todo suicidándose utilizando, de manera muy premonitoria, un avión para destruir un gran rascacielos.

El personaje del libro huye por las alcantarillas y no usa pijamas hi-tech amarillas

Cujo

Este libro es desesperante y a la vez terrible; la metáfora de King es la de un monstruo imaginario que aterrorizaba a un niño (se le aparecía por las noches en la cómoda de su cuarto) y que más tarde se “encarna” en un enorme perro San Bernardo que se contagia de rabia. La película no es más que otra historia de un enorme animal sanguinario y fuera de control.

Y si, en el libro al final muere el niño.

Proximamente escribiré algo sobre las películas buenas, que si las hubo.

Seguimos haciendo un recorrido por las divas de los ochentas (ya hablamos sobre Heather Thomas, Nastassja Kinski, Kim Basinger y Kelly LeBrock) esta vez toca a Daryl Hannah y su carrera que prácticamente se concentró en esa década.

Nacida en la ciudad de Chicago en 1960, se interesó desde muy joven en el cine debido al insomnio que padecía. Su debút lo hizo en una película de Brian De Palma a finales de los setenta y su primer papel estelar lo logró en la aclamada y ahora película de culto Blade Runner:

Aquí la vemos rompiéndole su mandarina a Harrison Ford

La participación de Daryl en la película de Riddley Scott (que por si misma merece todo un blog) fue en el papel de Pris, una de los replicantes fugados, que no la dejó lucir físicamente (hay que ver el “maquillaje”) sin embargo éste fue de suma importancia dentro de la trama y el papel requirió de mucha fuerza física así como habilidad gimnástica que la actriz realizó en persona.

Aunque en los ochentas participó en muchos filmes uno de los más famosos fue Splash!, cinta donde personifica a una sirena y que protagonizó con Tom Hanks.

De la película podría decirse que fue una versión moderna y neoyorkina del cuento de “La Sirenita” en donde Daryl interpreta el papel de la mujer pescado con el consabido romance y el “choque” de culturas entre la civilización humana y la chica que viene del mar.

En 1986 participó en The Pope of Greenwich Village y The Clan of the Cave Bear (el Clan del Oso Cavernario), esta última basada en un libro, del mismo nombre, que fue un gran éxito en la década y que narraba las aventuras de una niña abandonada en plena edad de piedra que es adoptada por una tribu de hombres de Neanderthal.

Al año siguiente apareció en dos películas: Wall Street con Charlie Sheen y Michael Douglas así como Roxanne con el genial Steve Martin, esta película era una versión, también más moderna, de la historia de Cyrano de Bergerac.

Daryl iba a cerrar la década de los ochentas con una película que concentró a muchas de las actrices de la década en Steel Magnolias y en donde compartió créditos con Sally Field, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Olympia Dukakis y una fresca Julia Roberts.

En la década siguiente la pudimos ver en algunas películas como la serie de Grumpy Old Men, Memoirs of an Invisible Man entre muchas otras; aunque Daryl hannah seguía compartiendo créditos con grandes personalidades, su estrella fue decayendo poco a poco.

En la actualidad, aunque no ha dejado su carrera artística (participó en la serie de Kill Bill), está un poco más concentrada en el activismo: tiene un videoblog (www.dhlovelife.com) donde ella realiza los videos y está muy comprometida en las causas ambientales (su casa solo utiliza energía solar y su coche solo biodiesel); este activismo la ha llevado hasta pasar una temporada en la cárcel luego de que su grupo se dedicó a defender una de las pocas granjas que quedaban en la zona urbana de Los Ángeles.

La producción de la televisión mexicana ha estado marcada, desde siempre, por las telenovelas; a pesar de todo por ahí han habido varios intentos de “diversificar” el contenido. En los ochentas, en un afan de capturar un público “familiar”, Televisa nos entregó unas “joyas” que desde la perspectiva del tiempo, parecen olvidadas para siempre. He aquí cuatro de las más famosas.

Cachún Cachún Ra Ra (1981)

Con un elenco formado por puros actores surgidos del Centro de Capacitación de Televisa, esta serie producida por Luis de Llano trató de ser una versión cómica y alegre de un grupo de estudiantes cada uno de ellos más “estereotipado” que un chiste de gallegos.

Básicamente trataba sobre un grupo de jóvenes y la vida en la escuela; giraba en torno al ligue, la música, el reventón y hasta algunos musicales. La temática era simple y se iba en gran parte con la actuación “estereotipada” de cada uno de los actores.

Manejando un humor sencillo y a veces un poco soso, el programa se transformó en un fenómeno mediático; los actores no podían salir a la calle sin que los acosaran y muchos de ellos permanecieron, mucho tiempo después, encasillados en personajes bastante unidimensionales en situaciones fuera de contexto. La serie fue cancelada en 1987.

Por cierto, existe una leyenda urbana que dice que todos los que participaron en la serie sufrieron de una maldición; mientras que unos no volvieron a tener éxito, a otros les tocó hasta la muerte: Viridiana Alatriste, Rodolfo Rodríguez, José Flores así como otros dos del reparto.

Papá Soltero (1986)

Una de las cosas que más me aterran de Televisa es la incapacidad de permanecer en puntos intermedios: si no son telenovelas, son programas “cómicos” que abusan del uso del albur o si no caen en cursilerías como Papa Soltero.

Los productores utilizaron el encanto natural de Cesar Costa para crear una serie parte drama, parte comedia y parte “les vamos a dar una lección de vida” para sacar al aire esta serie que a pesar de ser bastante insulsa logró un gran éxito, permaneció unos ocho años al aire y hasta película les hicieron:

Cesar Costa era un padre de familia sin pareja que trataba de educar de la mejor manera posible a sus tres hijos; el portero y la sirvienta eran el alivio cómico y normalmente la historia giraba en torno a problemas de la vida diaria que se solucionaban rápidamente, de la mejor manera y con una moraleja para todos los televidentes.

Nosotros los Gómez (1986)

La idea de este programa surgió netamente para explotar las actuaciones, cuarenta años antes, de Evita Muñoz “Chachita” y Freddy Fernandez “El Pichi” en varias películas entre las que destaca Nosotros los Pobres estelarizada por Pedro Infante.

Los dos protagonistas son ahora dos padres de familia, de clase media, que crían a tres hijos. Al igual que Papá Soltero, la temática de la serie se basa en los problemas de tres niños en el proceso de hacerse adolescentes y las soluciones repletas de moralina a las que llegan.

Chachita y el Pichi

En Internet es prácticamente imposible encontrar una foto del programa, alguna medianamente decente de Chachita o alguna del Pichi en sus años de adulto, por lo que puse esta antigualla.

La serie duró cuatro años al aire y podríamos decir que pasó sin pena ni gloria; tan solo una serie insulsa más de Televisa.

Tres Generaciones (1988)

Esta serie pretendía “juntar” a tres luminarias de tres generaciones del mundo del espectáculo en México(y re-explotarlas como en Nosotros los Gómez); Carmen Montejo, actriz que hizo fama en la época de oro y más tarde en las primeras telenovelas; Angélica María (la “novia de México”) quién fue cantante y la actriz que el star system mexicano intentó transformar en su más grande estrella por ahí de finales de los sesenta; creo que su boda fue una de las primeras en televisarse.

La tercera en discordia, la que representaba a la nueva generación era Sasha Sokol, ex-timbiriche que dejó el grupo en medio de una serie de rumores muy escandalosos para hacer sus pininos en la actuada (cosa que no le salió muy bien).

La serie narraba los problemas de una familia (una vez más) compuesta de una abuela, una madre soltera (otra vez) y la hija. Más moralina, mas drama desechable pero sobre todo, un programa tan olvidado que ni siquiera el omnipotente Google puede encontrar una fotilla perdida por ahí.

Tres generaciones

La gente en el muro de Berlín

Todos los que vivimos nuestra juventud en la década de los ochenta (y antes) recuerdan también una época en que el mundo estaba dividido en dos: por una parte Estados Unidos y los países “libres” y por el otro la Unión Soviética y los países comunistas, había menos países en Europa, algunos aglutinados como Checoslovaquia y Yugoslavia además de que contábamos con dos Alemanias.

El muro de Berlín

Ambos bloques habían vivido desde finales de la Segunda Guerra Mundial un clima de confrontación y una carrera armamentística que llenó al mundo de armas nucleares. La posibilidad de holocausto nuclear era una realidad con la que vivíamos día a día además de la eterna amenaza (con el petate del muerto) del comunismo.

Por supuesto que mucho de esto permeó en la cultura de la calle: pudimos ver películas como The day after (El día después) en Estados Unidos y Cartas de un hombre muerto, su contraparte soviética. Muchas películas ahora de culto fueron hechas basándose en un Apocalípsis nuclear como la serie de Mad Max, Terminator, Juegos de Guerra y Akira entre muchas otras.

The day after fue una película para la TV muy desgarradora

La música también quedó influida, la canción 99 Luftballons de Nena hablaba sobre una falsa alarma de ataques de misiles, por su parte 1999 de Prince relata, de forma onírica, el fin de la fiesta de la vida. Fueron muchos los autores que escribieron, no solo en los ochentas, sobre el fin del mundo gracias a una guerra nuclear.

Nena y su hit en MTV

El que marcó al fin de la guerra fría fue un hombre, Mikhail Gorbachev (reconocible por la mancha en la calva), quién fue secretario general del partido comunista de la Unión Soviética a partir de 1985. Joven (en relación a sus predecesores) llegó al primer puesto de la jerarquía soviética con la idea de que el paraíso comunista no estaba “tan bien” como muchos decían.

Mikhail Gorbachev

Comenzó a realizar una serie de reformas y dejó que los gobiernos (y las oposiciones) de los países del bloque comunista fuesen más independientes. Estos aires de libertad pronto comenzaron a desbaratar los gobiernos títeres de Europa del este; países como Hungría y Checoslovaquia empezaron a abrir sus fronteras y a dar más libertades a sus ciudadanos y en menos de lo que se imaginaron el paraíso de los trabajadores se fue al carambas.

Para 1989 el cambio ya no se podía detener. En Alemania del este aunque el gobierno trató por todos los medios de parar una revolución de terciopelo no pudo. Cuando la gente de Berlín del este fue al muro con toda la intensión de treparlo los militares que tenían la orden de disparar en contra de cualquiera que lo intentara no se atrevieron. La cúpula del partido comunista quiso detenerlos pero la gente ya los había rebasado.

Años de separación de familiares, de amigos, de un país y de Europa completa habían terminado.

“La gente esta subida en el muro de Berlín” nos dijo mi amigo Tacho esa mañana cuando íbamos a trabajar. Fue una especie de consecuencia lógica del proceso de Perestroika iniciado por Gorbachev, a pesar de eso no dejamos de sentir un pequeño escalofrío en la espalda: el muro de Berlín, el símbolo del enfrentamiento Este-Oeste, la muestra que nos daban para hacernos entender que el comunismo era diabólico, la que podríamos considerar como una de las peores muestras del totalitarismo soviético se había derrumbado.

Con una facilidad que por momentos parecía irreal terminaba una era: terminaba la “amenaza” del comunismo, terminaba la guerra fría, terminaban las últimas consecuencias del siglo más violento de la historia de la humanidad… También terminaba la década de los ochentas.

Creo que los Scorpions retratan muy bien en este video el sentir de aquella época.

En español se le llamó Cazafantasmas, Ghostbusters un grupo de estudiosos de lo paranormal que transformaron su especialidad en un negocio que terminaría salvando a Nueva York.

Película estrenada en Estados Unidos en el verano de 1984 (¡Hace más de 25 años!); la trama es sobre tres profesores del departamento de parapsicología de la Universidad de la Ciudad de Nueva York, dos de ellos muy clavados mientas que el tercero es un verdadero cínico, que son expulsados y que para seguir su investigación crean la empresa Ghostbusters para eliminar fantasmas.

Empiezan mal, sin embargo y luego de un negocio exitoso en el que desbaratan un elegante hotel, logran la fama y se transforman en un fenómeno mediático. Justo en la cima las cosas comienzan a ir mal. Un rencoroso burócrata de la ciudad logra encarcelarlos mientras la ciudad recibe el embate de un ente paranormal que amenaza con destruirla. Cuando todo parece perdido: ¿A quién van a recurrir? ¡Los Cazafantasmas! (así decía la canción).

Un resumen de la película

La película fue un éxito a todos los niveles. Hay que decir que en mucho se debe a la calidad de sus tres protagonistas: Bill Murray se formó en Saturday Night Live (el programa cómico por excelencia de la TV de Estados Unidos) ya lo habíamos visto en Stripes (terriblemente traducida como “El pelotón chiflado”) y Caddyshack (geníal comedia estelarizada por Chevy Chase).

Por su parte Dan Aykroyd, también ex-SNL, había creado junto con John Belushi a The Blues Brothers (otra infame traducción al español como “Hermanos caradura”).

El más desconocido (frente a las cámaras), Harold Ramis quién hizo el papel del flemático Egon, fue colaborador para el guión de la propia película además de haber dirigido Caddyshack y co-escrito Stripes; en el futuro el estaría a cargo de la dirección de Groundhog Day y Analyze This.

Entre los protagonistas también destaca Sigourney Weaver (con un número de Aliens que ya perdimos la cuenta) y Rick Moranis, el futuro papa que encoge a sus hijos.

Otra cosa que en esos entonces llamó mucho la atención fueron los efectos especiales; los fantasmas de Ghostbusters estuvieron para su época muy avanzados y elaborados; la secuencia de la biblioteca hizo que muchos pegaran un brinco de por lo menos medio metro.

El final es apoteósico; los Ghostbusters salvan al mundo de un mega-hombre de malvavisco, a la chica de la película y toda la gente los ovaciona mientras que la canción, otra de las protagonistas de la película, se escucha de fondo.

La aparición del malvado hombre de malvavisco

La película, como lo decía arriba, fue un éxito, la segunda mejor de 1984, apenas abajo de Beverly Hills Cop y más tarde nombrada entre las 50 mejores comedias de todos los tiempos. Su éxito generó una segunda parte así como un par de series animadas; la canción de Ray Parker Jr. Alcanzó el primer lugar del Top Ten y ahí se mantuvo por tres semanas.

El video popularizado, para variar, por MTV

Una de las cosas para remarcar de este filme es su actualidad; hice el experimento con mi hijo (acostumbrado a las películas actuales) y la cinta le gustó al grado de transformarse en una de sus favoritas. Tal vez sea por el guión o por el concepto, el caso es que la película no “se ve vieja” a pesar de sus más de 20 años.

Ghostbusters; cine de comedia y efectos de los ochentas.

La historia del grupo Scorpions inicia por ahí de finales de los sesentas; a lo largo de dos décadas mantuvieron un bajo perfil y con algunos cambios dentro de sus filas. Entre sus primeros éxitos se encuentra el álbum Virgin Killer cuya portada original (una pre-adolescente desnuda) sigue causando controversia.

Es hasta los años ochentas cuando el grupo comienza a escucharse en México: en lo personal el primer sencillo del grupo que escuché fue “No one like you”.

Con video de MTV

Scorpions ha experimentado con casi todo dentro del Heavy Rock; es un grupo que no duda en utilizar acordes muy densos de guitarras hasta incluir en sus discos baladas simples y muy ligeritas; este “alterne” se ha transformado en una especie de “firma” del grupo.

Otra cosa que siempre resaltaron de Scorpions fueron sus portadas; ya nos referimos a la de Virgin Killer que incluso fue vetada en algunos países. Love Drive así como Love at first Sting también fueron
algo atrevidas para la época mientras que Black Out presentaba a la ya clásica imagen de un individuo con unos tenedores destrozándole los ojos.

En 1984, gracias al éxito del disco Love at first Sting y la canción Rock You Like a Hurricane el grupo se lanzó a un mega tour por todo el mundo (a México aún no llegaban las grandes agrupaciones musicales) y aprovechó para grabar World Wide Live (la foto delprincipio de esta entrada).

En 1988 los Scorpions fueron la segunda banda de rock occidental en tocar en la Unión Soviética (los primeros fueron los ingleses de Uriah Heep); de esta forma crearon prácticamente de la nada una base de fans rusos que pocos grupos podían presumir.

Quizá una de las canciones más famosas del grupo es Winds of change, rola que compusieron en honor de los cambios en el bloque socialista así como la caída del muro de Berlín, eventos que por su origen alemán, los miembros de la banda vivieron en carne propia.

Una versión con títulos en español

Aunque la banda ha seguido produciendo discos (el último apenas el año pasado) y manteniendo su estatus, no cabe duda que fue en los ochentas cuando pegaron con tubo y se lanzaron a la fama como uno de los grupos más importantes de la década. Por cierto, Scorpions se va a presentar a finales de septiembre en las ciudades de México y Guadalajara.

Esta entrada en particular me costó bastante trabajo completarla. Parece como si una moda que fue muy difundida hubiese desaparecido de la faz de la tierra al grado que nadie se acordaba siquiera del verdadero nombre de los cinturones.

Buscar en Internet “cinturones de plata” o “cinturones con iniciales” es una labor de negros ya que sale todo menos lo que uno necesita. ¿Cómo se llamaban los cintos con iniciales al frente cuyas hebillas eran de plata (para los más afortunados) y de alpaca para los ciudadanos de “a pié”?

Ese fue el primer reto.

Recordaba un artículo de Guadalupe Loaeza (del libro “Las niñas bien”) en el que hacía una referencia a los famosos cinturones. Era un apellido; no muy raro, no muy común. Luego de investigarle un poco y de hacer memoria me acordé de la palabra que se me escapaba: Ortega, hebillas de la Joyería Ortega.

A pesar de tener el nombre puedo decir, sin temor a equivocarme, que en Internet no hay una sola foto de un cinturón de plata Ortega (soy el primero) por lo que me di a la tarea de buscar uno para fotografiarlo personalmente; “había muchos, ALGUIEN debía conservarlo” pensé.

Craso error. Nadie absolutamente nadie a quién pregunté guardaba el suyo (me da pena confesar que el mio lo di de baja hace ya un tiempo) por lo que conseguir uno para tomarle una foto fue labor imposible.

El paso siguiente fue acudir a la Joyería Ortega, decadente negocio ubicado en la Zona Rosa (hay que decir que los dueños del local están “tan” interesados en su negocio que ni siquiera tienen una página electrónica), para preguntar por los dichosos cinturones. Otro error.

Cuando me apersoné en el local de las calles de Florencia me atendió una señora que parecía que la torturaban para estar ahí. De muy mal humor me dijo que no tenían catálogos, ni fotos ni existencias de los dichosos cinturones.

-¿Que ocurre si quiero uno?- Pregunté; a lo que la señora me dijo que ellos me lo hacían pero que no había forma de verlo antes de su fabricación; había que saltar al vacío y comprar algo que ni siquiera estábamos seguros de que nos fuera a gustar.

La traté de entrevistar sobre las historia de dichos cinturones y lo único que obtuve de respuesta fueron monosílabos; cuando le inquirí que sabía sobre el boom de los famosos cinturones en los ochentas se me quedó viendo con cara de “que flojera estar aquí” y me dijo que estaban de moda desde los cuarentas.

De repente se acordó que por ahí tenía un cinturón con iniciales y me enseñó una cosa espantosa que ni siquiera era el tradicional Ortega. Cuando le recriminé sobre la posibilidad de comprar algo a ciegas y luego resultara una porquería se me quedo viendo con cara de “me vale”.

Si así tratan a los turistas, no creo que dure mucho el changarro ese. El caso es que finalmente me hice de uno, el que ven en las fotos (Gracias a RN).

Los cinturones prácticamente salieron de la nada; como dije antes los genuinos eran de plata pero la mayoría de los que comenzaron a circular eran hechos en otras joyerías y casi todos estaban confeccionados en alpaca.

Al frente llevaban las iniciales del usuario (la tipografía variaba según la calidad y el fabricante) y el cinturón en sí era de cuero con tres o cuatro eslabones. Aunque el color de los originales era café claro, en los tianguis era posible conseguir repuestos de colores para así poderlos usar con la misma hebilla y hacer diferente combinaciones. El cinturón se colocaba en la hebilla con los ganchitos que se pueden ver arriba de esta fotografía.

El furor fue tal que muchos hicieron lo imposible de hacerse del propio; un amigo le robó a su mamá una serie de cubiertos y cosas de plata para poder hacerse el suyo. Era chistoso como todo el mundo andaba por la vida como si trajera placas de circulación.

Al igual que muchas otras cosas esta moda comenzó un lento declive al grado que al día de hoy es prácticamente imposible encontrar uno.